em uma grande cidade

Uma pressa em falar para o Mundo sobre o que vi, ouvi e vivi(só por garantia).

Julius Lima

Cinefilia.Em estado bruto.

Melhores Filmes da Decada de 2010


A Imagem que Falta (L’image Manquante), de Rithy Panh (Camboja/França, 2013)

“Não posso repetir um só instante da minha vida, porém qualquer um desses instantes pode o cinema repetir indefinidamente, posso vê-lo”. Disse André Bazin em seu texto para Cahiers du cinéma. O filme “A imagem que falta” parece se apropriar da frase do célebre crítico para realizar um impressionante documentário que foi indicado ao Oscar de melhor filme estrangeiro para o Camboja. O diretor Rithy Panh mostra uma visão da vida sob o Khmer Vermelho como ele a vivenciou. É o testemunho material de uma história de que o regime de Pol Pot, que impôs a morte de até 2 milhões de cambojanos (incluindo a família de Panh) de 1975 a 1979. São imagens de notícias e outros materiais, como música, ele nos oferece reimaginações hábeis de seu passado. As estrelas do filme são uma coleção de figuras de barro, recriações da família de Panh, companheiros de prisão e liderança do Khmer Vermelho, através da qual o diretor Panh tenta suplementar essas histórias perdidas e lamentá-las. Através de um imenso cinema.

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O Ato de Matar e O Peso do Silêncio (The Act of Killing/The Look of Silence), de Joshua Oppenheimer (Dinamarca, Finlândia, Indonésia, Noruega e Reino Unido, 2013/2015)

Esses documentários sobre o legado do genocídio indonésio de 1965-66 ressoam não apenas por serem importantes, mas também por causa de como a arte de Joshua Oppenheimer com a colaboração de Christine Cynn e uma co-diretora anônima da Indonésia conseguiram algo ainda mais extraordinário. O filme ativa essa importância; como a audácia de seu cinema arrasta a história da escuridão e a injeta diretamente em nossos ossos. Antes de "The Act of Killing- O ato de Matar", o genocídio de 65 a 66 havia sido enterrado por todos os autores que ainda estavam no poder; um apagamento que ditava as estruturas de classe e poder da Indonésia moderna. Aqui os açougueiros orgulhosos são incentivados a contar a história, e como a vêem: uma fantasia heroica de assassinato em massa em nome de expurgar "comunistas" e salvar o país. Convidando os assassinos a encenar sua versão dos eventos e dar vida a seu auto-sacrifício ilusório na tela, Oppenheimer efetivamente permite que esses homens falem por si mesmos. O resultado é um filme poderoso o suficiente para quebrar o sonho quase febril que mantinha a Indonésia refém por tanto tempo.

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Com “O peso do Silêncio - The Look of Silence" - lançado dois anos depois, mas gravado perigosamente nas semanas logo após a produção de "O ato de Matar" - Oppenheimer virou o roteiro e olhou para o genocídio da perspectiva dos sobreviventes, vendo o massacre através dos olhos daqueles que não tinham poder para desafiar a narrativa falsa que os aprisionara por tanto tempo. Através do protagonista do filme, Adi Rukun, cujo nascimento e existência foram moldados pelo assassinato brutal de seu irmão mais velho (um evento descrito em "O Ato de Matar"), Oppenheimer foi capaz de confrontar os assassinos com a realidade de seus crimes. “O Peso do Silêncio" antecede o estilo operístico de seu antecessor, a fim de se encaixar melhor na natureza contemplativa e na precisão de observação de Rukin, e a abordagem resulta em algumas das mais emocionantes fotos de reação já capturadas na câmera. Com "O Peso do Silêncio", Oppenheimer não apenas deu voz aos sobreviventes, mas também os capacitou a falar a verdade que sempre haviam visto com seus próprios olhos.

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A Rede Social ( The Social Network), de David Fincher ( EUA, 2010)

O que dizer de um filme em que ao invés de mostrar o criador do Facebook como o gigante esmagador de almas, prefere desmontar o homem que o criou. Estrelado por Jesse Eisenberg em um de seus melhores papéis até agora, com um roteiro de Aaron Sorkin e dirigido por David Fincher. Tão esperto e descolado quanto Mark Zuckerberg gostaria de imaginar a si mesmo e a seu legado. “A Rede Social" se desenrola como uma tragédia maluca de Shakespeare, que ganha ressonância a cada minuto. “A Rede Social” foi bom o suficiente em 2010 para alcançar oito nomeações ao Oscar (e três vitórias, incluindo Melhor Roteiro Adaptado) e de alguma forma parece feroz e essencial agora, quase uma década mais tarde. Parecia adivinhar como o Facebook seria desmascarado sobre uma acusação terrível do que inevitavelmente se tornaria.

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Cópia fiel ( Copie Conforme), de Abbas Kiarostami ( França,2010)

Mas o que significa mesmo que algo seja “autêntico”? A “Mona Lisa” não é uma cópia da mulher que posou para isso? E o casamento não é um eco constante de alguns votos antigos - uma dupla apresentação entre dois estranhos perfeitos que se comprometeram a continuar interpretando as pessoas há muito esquecidas que eram quando se apaixonaram? Nem "Cópia Fiel" filme do diretor Abbas Kiarostami não é original,Kiarostami parece ter retirado de obras europeias a inspiração que vai desde “Ano passado em Marienbad”, “Viagem à Itália” e suas próprias explorações anteriores da verdade e beleza. Mesmo antes de as "notícias falsas" se tornarem o slogan mais insidioso da década, "Cópia Fiel" se apega às ansiedades de um mundo em que nossos próprios sentimentos são a única coisa que sabemos com certeza. A história do filme, como é, começa em uma pequena vila italiana, onde uma mulher sem nome ( a sempre melhor Juliette Binoche) encontra um escritor (William Shimmel) que gosta de questionar a ordem das coisas. Quando o dono de um restaurante local “confunde” os dois com um casal de longa data, os personagens se inclinam para a ideia -e até quando estão sozinhos. O pensamento ocorre a todos os espectadores em seu próprio tempo, mas ele sempre cai com o som de uma reviravolta: E se eles forem casados ​​e estiverem apenas fingindo? Eles são um casal de verdade ou uma falsificação convincente? Kiarostami não se importa com a resposta. O que começa como um exercício conceitual inebriante se transforma em algo avassalador da verdade, da arte e da natureza do próprio amor. Foi o primeiro filme que Kiarostami filmou fora de seu país natal, “Irã”, e - infelizmente de uma maneira que continua ardendo - um dos últimos que ele foi capaz de fazer antes de sua morte. E ele daria boas-vindas a qualquer um para refletir sobre o que ele deixou para trás como o personagem de Binoche disse em um dado momento: "Sem a existência de cópias, não entenderíamos os originais".

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Corra (Get Out), de Jordan Peele ( EUA, 2017)

Um filme importante que ainda sabe divertir e aterrorizar, a comédia de terror de Jordan Peele é formidável de muitas maneiras. É inventivo, urgente, chocante. Provocando uma realidade social que até recentemente foi muito raramente articulada na tela, particularmente em filmes lançados por grandes estúdios. “Corra” é um filme que fala ao discurso de sua época e o avança, ajudando a dar uma linguagem específica - embora muitas vezes satírica - a um mal-estar e, pior, experimentado por milhões de pessoas na América todos os dias. Dessa forma, “Corra” se enraíza crucialmente em dois lugares: há a ousadia de seu conceito - imaginar (e não precisar se esforçar muito para fazê-lo) um grupo voraz de brancos que atacam as mentes e os corpos dos negros - e há a tristeza uivante do que realmente está chegando. Assim que você começa a entender o quão divertido é o filme, “Corra” lembra que também sua piada não seja realmente uma piada. Um filme que será citado nas próximas décadas - por suas idéias e sua execução perfeita - um filme raro de verdadeiro propósito que não se preocupa com sua relevância. Está muito ocupado fazendo seu trabalho mordaz.

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Holy motors, de Leos Carax (Alemanha/ França, 2012)

Muitas vezes se fala muito sobre a “mágica” dos filmes, sua capacidade de transportar os espectadores em novos mundos, mas poucos conseguiram esse efeito com o brilho extraordinário de “Holy Motors”. O primeiro longa de Leos Carax em mais de uma década é a saga arrebatadora de um homem chamado Oscar (Denis Lavant em uma das performances mais ecléticas de todos os tempos) se transformando em uma série de personagens em Paris - de uma velha implorando por mudança para um homem em seu leito de morte e o louco da rua conhecido como Monsieur Merde. Enquanto ele percorre a cidade em uma limusine, de um show performativo para outro, a lógica surreal do filme continua a se desenrolar: essa figura enigmática, que opera aos caprichos de uma organização sombria, ficou desolada e exausta por seu show incomum. Qualquer pessoa que tenha desempenhado muitos papéis ao longo de uma vida eclética teria que concordar. Quando a devota motorista de Oscar Céline (Edith Scob) põe uma máscara de “Eyes Without a Face”, de Georges Franju, fica claro que “Holy Motors” também é uma carta de amor ao cinema, a capacidade da forma de arte de criar imagens indeléveis para expressar mais do que qualquer realidade mundana. Quando Oscar se conecta com uma ex-amante (Kylie Minogue) que canta uma música triste sobre seu passado, Carax canalizou praticamente todos os gêneros de filmes.

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Tio Boonmee que Pode Recordar Suas Vidas Passadas(Loong Boonmee raleuk chat), de Apichatpong Weerasethakul (Tailândia/Inglaterra/França/Alemanha/Espanha/Holanda,2010)

O super talentoso multimídia tailandês Apichatpong Weerasethakul (que adotou o apelido Joe para facilitar a vida dos cinéfilos ocidentais) fez uma carreira ao dirigir filmes que parecem enigmas visuais densos, combinando poesia com projetos cinematográficos misteriosos. Mas onde seus traços anteriores eram mais energizantes como exercícios intelectuais do que como atividades narrativas intoxicantes, seu "Tio Boonmee", vencedor de Palma de Ouro que pode recordar suas vidas passadas, orientou sua abordagem inebriante em um delicioso reino de fantasia de macacos fantasmas e peixe-gato feliz. O personagem-título é um homem de meia idade que vive na floresta e morre de uma doença. Uma noite, durante a visita de seu sobrinho, Boonmee também é encontrado pelo fantasma de sua esposa, que morreu há muito tempo, e do filho desaparecido metamorfoseado em uma espécie de macaco de olhos vermelhos que lembra o Chewbacca de "Star Wars". Eles discutem a sensação de deslocamento que a morte lhes traz, casando o tom estranho com observações seriamente líricas da mortalidade. Mas o diretor não leva a cena mais a sério do que nós: outra pessoa viva se junta à mesa e entra no grupo eclético, concluindo: "Sinto que sou o estranho aqui". “Tio Boonmee” sustenta essa estranheza sedutora, fundindo cuidadosamente suas forças poéticas e cósmicas, e a mágica duradoura do filme está enraizada em como faz com que cada espectador se sinta “estranho”. A luxuriante imagem encoraja a trama enigmática e a história lida com folclore, memória e morte de uma maneira maravilhosamente divertida, acessível e enigmática ao mesmo tempo. Guiado por forças tão sobrenaturais quanto sua trama, o diretor transforma a confusão narrativa em seu maior truque. A naturalidade, a despretensão e a graça com que o cineasta tailandês lida com esses elementos. O cinema de Joe baseia-se em longos planos-sequência e em um sofisticado trabalho de edição de som. Ele tenta oferecer antes uma experiência do que uma explicação do mundo. Por isso, faz pouco sentido falar em trama. Com serenidade budista, Weerasethakul une passado e presente, sagrado e mundano, real e fantástico, comédia e terror. "Tio Boonmee" deixa a sensação, cada vez mais rara no cinema, de se estar diante de uma obra original, verdadeira, transcendente.

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Boyhood, de Richard Linklater (EUA, 2014)

Há muito, muito tempo atrás, Richard Linklater começou a produção de um filme sobre o desenvolvimento de uma criança a partir dos sete anos de idade até o final de sua adolescência. Se já houve um projeto que exigia ser informado pela história de sua criação, "Boyhood" é isso. De alcance épico, mas sem pretensões, a crônica incrivelmente envolvente de Linklater marca uma conquista sem precedentes na narrativa fictícia - o ponto de comparação mais próximo, o documentário "Up" de Michael Apted, não contêm a mesma singularidade de visão. Filmado ao longo de 39 dias espalhados por mais de uma década, "Boyhood" é um trabalho totalmente fluido que coloca o processo de maturidade sob o microscópio e analisa suas nuances com detalhes notáveis. A “história” de “Infância” é menos relevante do que sua capacidade de nos encantar com pequenos detalhes, mesmo com o passar dos anos. Linklater consolida sua fascinação pelo tempo e pelo desejo existencial encontrado em muitos de seus filmes. O triunfo final de "Boyhood" é que seu brilho se aproxima de você.

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Tabu, de Miguel Gomes (Portugal/Alemanha/Brasil/França, 2012)

Uma imersão lírica na metáfora colonialista e na memória histórica, o terceiro longa "Tabu", do diretor português Miguel Gomes, busca as experiências oníricas da obra de Apichatpong Weerasethakul com uma estrutura arrojada que desafia as especificidades de gênero. Ao mesmo tempo, por todas as suas qualidades confusas e erráticas, Gomes ("Aquele Querido Mês de Agosto") fez um trabalho decisivamente cinematográfico, explorando as tradições clássicas do cinema e subvertendo-as com uma invenção narrativa consistente.

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Moonlight: Sob a Luz do Luar ( Moonlight/EUA, 2107), de Barry Jenkins

“Moonlight” e as voltas emocionais da experiência afro-americana em uma profunda tapeçaria criativa. Em um nível, é uma profunda tragédia contada em olhares de passagem. Ao mesmo tempo, é uma convocação que amplia o potencial da arte negra para permear a cultura popular de maneiras novas. Rico em imagens evocativas e trocas de propostas, o tratamento do cineasta da peça de Tarrell Alvin McCraney, "In Moonlight Black Boys Look Blue", exibe a rara capacidade de fazer grandes declarações com pequenos gestos. Nenhum outro épico nesta década conseguiu esse equilíbrio complicado, capturando momentos atemporais, ao mesmo tempo em que incorpora as incertezas de seu momento, e deixou um impacto tão grande no estado do cinema americano no processo. O filme explora a situação de um jovem negro em três épocas, procurando seu lugar no mundo, enquanto luta com sua identidade sexual sob o peso da classe e de uma família desfeita. A história do jovem Quíron, à medida que cresce e perde a oportunidade de encontrar uma vida satisfatória, fica mais desesperada e triste à medida que avança. Mas o principal deles é o quão sensível é o modo como um homem muda ao longo do tempo - principalmente após um tempo na prisão. É, entre outras coisas, um dos grandes filmes americanos sobre os efeitos deteriorantes do encarceramento. No entanto, este capítulo da vida do jovem herói Quíron nunca aparece na tela. Isso, como grande parte da experiência contextual que dá ao luar seu poder singular, é deixado em elipses. "Moonlight" é um filme que testemunha uma alma acordada.

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Mad Max – Estrada da Fúria (Mad Max – Fury Road), de George Miller (Austrália/EUA, 2015)

É um filme que foi sonhado em um avião: o cineasta George Miller estava em um longo voo de volta à sua terra natal, a Austrália, quando fechou os olhos e teve uma visão de cinco esposas fugindo de um cruel guerreiro. Quinze anos agonizantes e 3.500 storyboards depois o diretor George Miller retornou ao universo Mad Max e, ao fazer isso, fez o melhor filme de ação, talvez de todos os tempos. Sinfonia de fogo e metal. Max e um círculo de mulheres resistindo à sua subjugação - incluindo a heroína de ação de Charlize Theron( no papel mais vigoroso e físico de sua carreira) Imperatriz Furiosa. Junto a Max lideram o ataque enquanto o bando de rebeldes corre através de um deserto hostil em direção à liberdade. Furiosa e seus companheiros de armas lutam contra seus opressores, atacando-os em uma missão de libertação. Há um triunfo macabro em suas afirmações contra uma instituição prejudicial; "Estrada da Fúria" incha com espírito revolucionário à medida que se aproxima da sua conclusão emocionante. Embora seja o quarto filme de uma série,"Estrada da Fúria" parece uma coisa totalmente nova. É uma visão surpreendente e envolvente, que deve servir de exemplo do que pode ser o cinema quando nos aproximamos tão ousadamente de nossa própria distopia. Por fim, Miller entregou cerca de 400 horas de filmagem para serem reduzidas por sua brilhante montadora e esposa, Margaret Sixel. Ela ganhou um dos seis Oscars de tecnologia do filme. Deveria ter vencido todos os dez. Nunca haverá outra "Estrada da Fúria".

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O Cavalo de Turim (A Torinól ló), de Béla Tarr (Hungria/França/Alemanha/Suíça/EUA, 2011)

Toda a nova geração parece estar vivendo no fim do mundo, e cada uma delas é um pouco mais certa do que a anterior. Mas, nos últimos 10 anos, esse medo pareceu crescer em um consenso compartilhado, e os filmes dos últimos dias começaram a assumir um tipo frio de proximidade - como se estivessem perto o suficiente para sentir sua pele perto do fim. Nietzsche disse que “Deus está morto”, mas o “O Cavalo de Turim”, de Béla Tarr - uma piada hipnótica que imagina o que aconteceu ao fazendeiro que supostamente inspirou o colapso mental de Nietzsche - sugeriu que Deus, vivo ou morto, não vai nos salvar de nós mesmos. "O cavalo de Turim", por outro lado, nada mais é do que um olhar duro para o abismo. A sociedade está perdida, o niilismo reina e o vento nunca para de uivar. O fazendeiro de batata e sua filha vivem em um pesadelo monocromático, onde eles têm pouco a fazer, além de lamentar seu próprio esquecimento. A certa altura, na cena mais desoladora da década, eles escapam pela cordilheira atrás de sua casa e retornam depois de ver o que está do outro lado. Não há esperança aqui ou ali, e não havia mais nada a dizer e o diretor se aposentou do cinema. E quando ele morrer, ele deixará para trás a visão mais apavorante e mundana do apocalipse do século XXI: um filme que permitia a todos que o viam ver a escuridão que muitas de nossas vidas estão disfarçadas.

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Melancolia (Melancholia), de Lars Von Trier (Dinamarca, Suécia, França, Alemanha, 2011)

O poema de sonho estranho e cativante de Lars von Trier sobre o pensamento apocalíptico é, de alguma forma, surpreendente e reconfortante. Von Trier talvez nunca tenha trabalhado tão seriamente, evitando sua crueldade habitual para, ao invés disso, manifestar sua depressão na tela como um ato de comunhão, de entendimento de uma forma tão abrangente quanto uma espessa neblina cinza rolando para bloquear o sol para sempre. O mundo acaba em "Melancolia" - nosso globo noturno pulverizado por outro planeta cuja trajetória não podemos mudar. A auto-indulgência natural de Von Trier é temperada pelo trauma penetrante do melhor desempenho da carreira de Kirsten Dunst. Ela atravessa seu casamento maluco no castelo em um torpor crescente, seu humor opaco desmentindo um tormento interno que parece acolher (ou até convidar) para o fim do mundo.

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Upstream color (Upstream Color), de Shane Carruth (EUA, 2013)

A obra-prima de ficção científica de Shane Carruth, protagonizado pelo diretor e Amy Seimetz como um casal de estranhos reunidos por um misterioso parasita que, na verdade, arruinou suas vidas. As explicações diretas terminam aí, e as imagens e desvios implantados a partir de então desafiam com retidão a fácil categorização ou resumo. Aqui, como em sua estréia, no espetacular “Primer” (2004), Carruth transformou magistralmente os instrumentos básicos de ficção científica em mistérios metafísicos. Ele construiu um território único para si mesmo no ponto em que a ciência se desdobra tanto no arcano que sua matemática se torna tão intuitiva e bonita quanto qualquer trabalho de pura imaginação; portanto, embora haja lógica e causalidade em ação aqui, é menos a ciência da ficção científica de canhões a laser e naves espaciais do que uma viagem para o interior, para a psique, para as emoções - para lugares onde a ciência frequentemente teme seguir. Totalmente único, tremendamente bizarro e dolorosamente adorável, não posso recomendar "Upstream Color" o suficiente.

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America Honey (American Honey), de Andrea Arnold (Reino Unido/EUA, 2016)

"American Honey" tem um olhar arrebatador sobre a juventude sem futuro da América profunda, o olhar que a realizadora Andrea Arnold nele pinta sobre essa América. Confrontando nessa road trip por uma América profunda que filma as árvores, os parques de estacionamento, as estradas sem fim, os subúrbios elegantes, com o mesmo abandono lírico de um Terrence Malick e seguidores. Mas nem Arnold é uma mística nem as suas personagens são existencialistas: o filme começa com a “heroína” Star à procura de comida para sustentar duas crianças. American Honey, então, é uma viagem pela América jovem sem futuro, abandonada pelo “sonho americano” e com o hedonismo da música e do 'good time' como único motor. A nossa guia (a estreante Sasha Lane) decide fugir à ausência de futuro do seu canto do Oklahoma, aceitando o convite para integrar uma equipe de adolescentes que viajam pelo país vendendo assinaturas porta-a-porta — é uma atividade arcaica, último recurso desesperado, num mundo de serviços como é o nosso. (A origem do filme está numa reportagem do New York Times sobre estes grupos de adolescentes que vivem de modo quase marginal.) Arnold transplanta para a América aquele que é e sempre foi o tema central do cinema britânico — a luta de classes, a disparidade econômica, também e cada vez mais uma questão central da sociedade global — mas nunca faz dele o centro do filme: esta roadtrip é também uma viagem iniciática da vida, do amor, do mundo real, tão desconcertante como exultante. É um retrato dos “filhos” que uma nação vai deixando para trás quase sem o compreender. image16.jpeg

Antes da Meia noite (Before Midnight, EUA 2013) de Richard Linklater

Um homem e mulher 20 anos depois Dezoito anos depois de Jesse ( Ethan Hawke) pedir para Celine ( Julie Delpy) descer do trem com ele e andar por Viena em “Antes do Amanhecer” de 1994 passando pelo reencontro dez anos depois em 2004 com “Antes do pôr-do-sol” quando Jesse em Paris autografa um livro sobre uma certa noite na Europa. Agora com “Antes da Meia-Noite” de 2013 são um casal com duas filhas. A química entre Ethan Hawke e Julie Delpy é tão viva e cheia de luz quanto nas duas versões anteriores da trilogia. Ao vê-los conversando em férias na Grécia, é fácil sentir que nada mudou nas últimas duas décadas. Acontece que encontrar um ao outro duas vezes, enquanto viviam em continentes diferentes, era a parte fácil. Compartilhar a vida com alguém é que são elas. O filme busca refletir sobre passar os anos juntos. Quando se é jovem aos vinte e poucos anos, uma noite em Viena podia parecer uma vida inteira. Agora com maturidade nesta última parte a vida inteira com alguém pode desaparecer no espaço de uma única noite. “Antes” também é um raro filme que realmente envelheceu com seus personagens. Cada filme é tudo o que Jesse e Celine precisavam que fosse. A franquia começou com uma paixão mágica que não seria mais do que uma lembrança pela manhã. E agora vinte anos depois tem se a percepção de que todo relacionamento acaba se tornando, quando os dois querem, o melhor possível. Como Jesse diz a Celine em uma cena arrebatadora: “Se você quer amor verdadeiro, é isso; não é perfeito, mas é real."

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Her, ELA ( EUA, 2013) de Spike Jonze

Spike Jonze voltou com tudo nesta resposta para Sofia Coppola, sua ex mulher, pela primeira vez escrevendo e dirigindo a ficção científica bem construída de um homem que se recupera de um casamento fracassado. “Her” pode ser vista como o outro lado do filme vencedor do Oscar de roteiro original de Sofia Coppola sobre o fim do relacionamento, “Lost in Translation”, um poema visual / auditivo que seguia solitária e desconectada Scarlett Johannson em torno da Tóquio moderna, conforme ela encontra uma alma gêmea com quem ela nunca pode realmente se consumar. Jonze que tambem venceu o Oscar de roteiro original coloca Johannson na frente e no centro - mas não na tela - nessa visão de futuro fraturada de uma cidade, uma Los Angeles reconstruída digitalmente. Ela interpreta a brilhante sistema OS 1 Samantha, que “se liga” imediatamente a Theodore Twombly (Joaquin Phoenix). Eles se apaixonam rapidamente. O sexo deles é satisfatoriamente erótico e o relacionamento crível. O filme lida fala sobre o que significa ter consciência, humana ou não. É sobre também quem somos agora. E quem nós queremos ser.

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O Mestre ( The Master, EUA, 2012) de Paul Thomas Anderson

Todo filme de Paul Thomas Anderson é motivo de comemoração e, nas três décadas de sua carreira, ele produziu algumas das obras mais marcantes da época. Mas "The Master" conseguiu uma rara síntese dos diferentes modos do PTA: ele mescla as intimidades excêntricas da busca de almas solitárias em "Embriagado de Amor" com as vastas investigações históricas de " Sangue Negro" para criar uma visão ardente na identidade fraturada do país. Como um drama de período enigmático sobre as raízes da Cientologia, é uma janela notável para o processo pelo qual o comportamento do culto pode abrir caminho para uma mente frágil. The Master" mostra como as indulgências pessoais também são uma forma de religião. Lancaster pode ter sido um mestre de marionetes maluco, mas sem algum senso de ordem, Freddie é escravo de seus desejos mais básicos. O alarmante argumento sugere que mesmo um culto manipulador tem o poder de salvar um homem quebrado; no final do dia, somos todos escravos do sistema e, sem ele, a maioria de nós está apenas à deriva.

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Julius Lima

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